Entrevistamos al percusionista Joan Soriano, director académico de Àgora Actual Percussió, un nuevo e interesante festival que se articula en torno a la percusión, y que traerá a la alicantina localidad de Xàbia un plantel de creadores e intérpretes de enorme atractivo. La propuesta tendrá lugar entre el 10 y el 15 de julio y la dirección artística corre a cargo del que es quizá el mayor “agitador” en el mundo de la percusión en nuestro país: Juanjo Guillem.

Sul Ponticello: Àgora Actual Percussió se presenta por primera vez, y lo hace como un festival que agrupa un conjunto de actividades en torno a la percusión y la música contemporánea: clases magistrales, conciertos… ¿Cómo definirías la propuesta?

Joan Soriano: La propuesta se articula de dos líneas. Por una parte, el Festival Àgora Actual Percussió y, por otra, el European Meeting of Contemporary Percussion. Ambos nacen con vocación de universalidad acerca de todo lo que rodea al hecho de la percusión actual, y están llamados a convertirse en la gran cita anual para los profesionales y futuros profesionales del sector, en especial lo que concierne a los nuevos repertorios, a las nuevas fronteras para la creación con percusión. Es el espacio donde abarcar la situación de la percusión en nuestro país en cuanto a puesta en común de las diferentes inquietudes que siente el sector, diferentes producciones artísticas, discográficas, nuevos materiales pedagógicos, divulgativos, métodos de trabajo y dar la posibilidad a los asistentes a Ágora Percusión Actual de trabajar individual y/o colectivamente con los más destacados profesionales del país y los diferentes profesionales de trayectoria internacional que para la ocasión han sido invitados. Además de posibilitar el trabajo directo con destacados compositores y creadores nacionales e internacionales, tanto de forma individual como colectiva en diferentes agrupaciones camerísticas.

S.P.: Entonces, la formación es parte vertebral del proyecto…

J.S.: Sí, los alumnos podrán de este modo asistir y participar de una variada y atractiva diversidad de propuestas en los distintos formatos de docencia. Para ello se organizaran las clases de forma individual y colectiva con los distintos profesores nacionales e internacionales, trabajado de forma individual y colectiva las distintas disciplinas y especialidades instrumentales, atendiendo a las propuestas de modo concreto a través de clases magistrales, y exposiciones particulares donde se trabajaran los aspectos concretos de cada especialidad instrumental, piezas de solo y cámara de reciente factura y nuevas técnicas aplicadas a la interpretación y creación.

S.P.: Y con un espectro muy amplio de temáticas…

J.S.: Claro, Ágora Percusión Actual quiere ser un lugar donde reflexionar, debatir e intercambiar opiniones y experiencias en todo lo que rodea al arte de la percusión actual. Diferentes profesionales de los distintos ámbitos de desarrollo profesional expondrán sus inquietudes y proyectos a través de las distintas conferencias, mesas redondas, charlas y ponencias que se desarrollaran en diferentes jornadas que se desarrollara dentro de Ágora Percusión Actual. Las distintas ponencias, presentaciones de nuevos materiales, discografía, nuevas técnicas y tecnologías aplicadas a la percusión, su enseñanza-aprendizaje e interpretación serán abordados a través de intervenciones individuales y colectivas, mesas redondas y coloquios, dando la posibilidad de compartir y contrastar opiniones tanto por parte de los ponentes como del público asistente, creando lazos profesionales y de investigación común que cristalicen en proyectos de futuro innovación y desarrollo del arte de la percusión desde una visión holística.

El 1er Festival Ágora Actual contará con un nutrido elenco de ensembles y solistas de reconocido prestigio nacional e internacional que darán rendida cuenta de los repertorios internacionales. Los diferentes conciertos que conforman el festival tienen un doble objetivo: por un lado mostrar los diferentes repertorios actuales para el instrumento, y por otro lado ser una herramienta de divulgación didáctica del proceso y realización de los mismos, el trabajo del intérprete, los mecanismos de retroalimentación con los compositores para la creación de nuevas músicas.

S.P.: El plantel de figuras de la percusión es realmente potente en esta primera edición. Imaginamos que esta base, los nombres, es donde habéis apoyado en gran parte el proyecto…

J.S.: El cuadro de profesores, profesores invitados, artistas sonoros, compositores y ensembles –como indicas-, refleja la excelencia que persigue este especializado proyecto, pero no es el eje vertebrador de este. La MÚSICA es el elemento que se sitúa como principal objeto de articulación de las dos líneas de actuación del Festival y el Encuentro. Es por ello que tenemos un gran festival con siete grandes iniciativas en donde se reflejará la gran música actual para percusión a través de singulares propuestas, con estrenos nacionales y absolutos de algunos de los principales solistas y ensembles del panorama nacional e internacional.

Por otra parte, los participantes inscritos en el Encuentro han sido seleccionados a partir de sus propuestas de trabajo en base a las diferentes piezas que desean trabajar. Es por ello que con antelación y atendiendo a un cuidada selección musical, la organización de las clases y la programación de las actividades individuales es articulada en base a una estética y lenguaje común a todas las músicas que se trabajarán.

S.P.: Valencia Percussion Academy abrirá los conciertos del festival, el lunes 10. Háblanos de este concierto en el que estás especialmente implicado.

J.S.: VPA Ensemble ofrecerá un gran concierto “Tribute to Maki Ishii”. Se trata de una propuesta de gran formato para 13 percusionistas. Queremos rendir homenaje a uno de los principales compositores del siglo XX sin el que no es posible comprender la evolución en general de la percusión actual, y sobre todo, la gran renovación de la música japonesa en el pasado siglo. Ishii debe ser considerado como unos de los padres de la música actual japonesa que supo aunar tradición y modernidad. El programa monográfico dará una visión general de la gran música para ensemble de percusión en donde se incluyen diferentes piezas del catalogo del compositor. Un recorrido que abarca desde la primera pieza para ensemble de percusión con instrumentos tradicionales japonés tratado con técnicas compositivas actuales, hasta la última pieza antes de su fallecimiento en 2003. Por otra parte incluye el estreno nacional de For Lily basada en una importante y conocida pieza de solo Thirteen Drums, en la versión que realizó el compositor a posteriori para solista y cuarteto de percusión. En definitiva, estamos delante de la más grande fotografía de la música para percusión de Ishii que se ha realizado en este país, y el personaje y su legado lo merecen.

S.P.: El lunes 10 hay un evento poco común. ¿Qué puedes decirnos de esa “Acción presentación”?  ¿En qué consistirá?

J.S.: Se trata de fusionar sonido-cotidianidad-vida-arte. Mediante una acción con un contenido de performance, arte sonoro-digital, percusión, drama… queremos presentar el festival. Se realizará el lunes 10 de julio a las 20 horas en el Mercado Municipal de Xàbia. En esta propuesta se articularán diferentes elementos, personas, artistas de diferentes procedencias artísticas, junto a los profesionales del mercado que realizan su trabajo en él. Elevaremos lo que en él sucede a categoría artística, sublimando lo cotidiano, convirtiéndolo en extraordinario, sin que por ello se detenga la vida que en él transcurre y las diferentes acciones mercantiles que se suceden. Un gran inicio para esta primera edición de Àgora Actual percussió.

S.P.: Es interesante cómo habéis planteado los lugares donde tendrán lugar los conciertos del festival: plazas, mercados, museos… Todos espacios poco convencionales. No parece que estéis al margen del debate sobre los cambios de formato del concierto tradicional… ¿Cómo habéis diseñado este aspecto?

J.S.: La música una vez más ha sido la vertebradora del proyecto. Además, Xàbia, es una población con una intensa vida cultural, así como una gran belleza arquitectónica y natural. Sus calles, sus plazas, su entorno… su situación en la costa la convierten en lugar privilegiado. Si a esto sumamos la época en la que se realiza el Festival y el Encuentro… tenemos la ecuación perfecta.

Cada diferente propuesta ha sido enmarcada en su lugar perfecto dentro de las múltiples posibilidades que ofrecen las infraestructuras locales. El Mercado municipal como contenedor y contenido de la propuesta de presentación. La Plaza de la Iglesia para las propuestas de gran formato y para el gran público. El Museo casa del Cable, a orillas del Mediterráneo para las propuestas de solo percusión con electrónica y vídeo, marco ideal para un público más exclusivo. El Conservatorio Municipal de Música para el gran concierto de participantes en el Encuentro que cerrará el Festival.

S.P.: Siguiendo con los conciertos, el martes 11 actuará  Jianli Percussion Ensemble, que nos puedes decir de ellos?

J.S.: Sin duda es otro de los grandes conciertos de los que podremos disfrutar en el Festival. Jianli Percussion Ensemble es actualmente uno de los grupos de referencia en el ámbito en Asia. Procedentes de China, el Ensemble –que se encuentra de gira por Europa- nos visitará y ofrecerá un ecléctico programa con piezas del repertorio de los grandes compositores chinos, y otras del repertorio internacional, con una visión renovada, una potente puesta en escena, y sin duda, una gran energía, que es lo que desprende este fantástico grupo que podremos conocer en exclusiva en nuestro país.

S.P.: El miércoles 12 habrá una sesión con Philippe Spiesser, Sisco Aparici y tú mismo. ¿Qué vais a interpretar?

J.S.: Se interpretarán diferentes piezas de solo percusión con electrónica y vídeo de diferentes compositores nacionales e internacionales, ofreciendo una panorámica de las últimas tendencias en hacer y entender de la creación actual para instrumentos de percusión. Podrán escucharse obras de Alberto Posadas, José Luís Torá, José Manuel López López, Octavi Rumbau y Vicent Vicensastre.

S.P.: Juanjo Guillem –director artístico del Àgora Actual Percussió- aparecerá en escena junto con Cristian Dierstein el jueves 13. ¿Qué habéis preparado para este concierto?

J.S.: Se trata de una propuesta con un mayor cariz dramático, en donde se podrá disfrutar de diferentes piezas de Elena Rikova con la que tendremos el placer de contar, junto a Juanjo, como intérprete de su propia música. Y obras de Salvatore Sciarrino, Hugo Morales, Dieter Schnebel y Louis Aguirre. Una propuesta contrastante a la del día anterior, con una clara intención de ofrecer al público asistente una muestra de la gran diversidad de estéticas, lenguajes y posibilidades que ofrece la creación hoy.

S.P.: En el proyecto habéis puesto bastante énfasis en la presencia de los compositores. ¿Habéis planteado una participación activa de los creadores?

J.S.: Por supuesto. El español Carlos Fontcuberta, el cubano-danés Louis Aguirre, Hugo Morales, que viene de México, y Elena Rikova, de Rusia, son los compositores con los que tendremos el placer de convivir en el Encuentro. Un elenco de grandes profesionales con presencia en los grandes circuitos internacionales, que nos contarán en primera persona su particular visión de la creación para percusión, al mismo tiempo que nos presentarán las últimas obras dedicadas a esta familia instrumental en su producción y en piezas que se encuentran en pleno proceso de creación. Con ellos podremos debatir, retroalimentarnos, confrontar opiniones acerca de las posibilidades y retos que presenta la creación actual. Sin duda, una comunicación necesaria en el terreno de la creación contemporánea en donde el feedback intérprete y compositor es el elemento principal y más enriquecedor para que nuestro arte avance hacia nuevos territorios.

S.P.: El viernes 14 hay un plato fuerte: Neopercusión entra en juego con Le Noir de l’Etoile de Gerard Grisey. Coméntanos un poco este atractivo concierto.

J.S.: Sin duda, un broche de oro a un gran festival. Neopercusión cerrará los conciertos de gran formato al aire libre con la interpretación de una de las piezas más relevantes de finales el siglo XX: Le Noir de l’etoile, escrita para seis percusionistas dispuestos alrededor del público, banda magnética y transmisión in situ de señales astronómicas. Una monumental pieza que, por su dificultad y exigencia interpretativa, de medios tanto instrumentales e infraestructura necesarias para su realización, es raramente programada, y poder escucharla en el fantástico entorno del casco antiguo de Xàbia de la mano del grupo de referencia de la percusión en el país, es un lujo.

S.P.: El festival se cierra con un concierto con los participantes. Imaginamos que se interpretarán obras trabajadas a lo largo de las actividades académicas…

J.S.: Por supuesto. Los participantes en el encuentro cerrarán el último día el Festival Àgora Actual Percussió, en donde presentarán algunas de las diferentes piezas de solo, ensemble, con electrónica… que trabajarán durante él.

Una perfecta ocasión para revisitar grandes piezas del repertorio y poder ampliar horizontes como percusionistas a todos los niveles independientemente del nivel del participante, dándose a conocer y presentarse a los demás participantes por una parte, y ofreciendo nuevas soluciones y visiones a repertorios clásico-contemporáneo. Un justo y necesario final de fiesta.

S.P.: En nuestras entrevistas y artículos entorno a festivales, aún a riesgo de parecer repetitivos, no dejamos nunca de tratar el tema de la financiación. Nos parece algo de enorme importancia, sobre todo en los tiempos que corren, con el bajo apoyo a la cultura por parte de las instituciones. ¿Cómo habéis conseguido financiar Àgora Actual Percussió?

J.S.: Esta pregunta daría mucho de sí. De hecho, abriría la puerta a múltiples debates de todo tipo acerca de organización, profesionalidad, arte,futuro… que podría acabar incluso con un profundo debate antropológico, sociocultural y político de la situación real de la Cultura en nuestro país en general, en particular de la Cultura Musical, y en especial de la música para percusión. Vemos diferentes formas de enfocar el problema cuya solución en algunos casos parece ser el sobrevivir a toda costa. Está claro que una sociedad que se declare avanzada, debe de proteger y alentar la creación arriesgada, incluso la más minoritaria. Las ayudas son escasas pero imprescindibles. La asociación que organiza el proyecto cuenta con un importante respaldo por parte de la Concejalía de Cultura de Xàbia, en todo lo que ha sido posible respaldar en esta primera edición. Una institución pública a la que hemos conseguido ilusionar con el proyecto y con quien vamos a trabajar codo con codo en un futuro inmediato para implementar todas acciones y programas posibles que nos permitan llevarlo al máximo nivel posible. Por otra parte, contamos con diferentes ayudas de la Generalitat Valenciana y la impagable dedicación de la asociación Ritmo Vital, Neopercusión, Valencia Percussión Academy, firmas como PBP Mallets, Percusonic y el equipo de trabajo de la Associación Cultural Apart. Por otra parte, la aportación de los participantes sirve para hacer viable el proyecto, y en este sentido tengo que hacer especial mención a nuestra oferta en relación a otras existentes por su calidad y competitividad en relación al gasto que supone para los participantes. En definitiva, un gran potencial de recursos humanos que, sumando sus voluntades, hacen posible este gran evento.

S.P.: Por último, otra pregunta que solemos hacer a nuestros entrevistados, sobre todo aquellos que, como tú, tienen un compromiso muy especial con la música de nuestro tiempo: ¿cómo ves la situación de la creación musical en nuestro país? Obviamente, nos referimos a la parte creativa pero, especialmente, a la interpretación, y más en concreto a tu terreno, la percusión.

J.S.: Esta es otra gran pregunta, de difícil contestación ante la brevedad que el marco de esta entrevista presenta. Por un lado, veo futuro, energía, nuevas ideas, una visión holística del hecho creativo, una disolución de fronteras, propias de nuestro tiempo… y ningún arte debe ser ajeno a su tiempo. Esto es lo que queremos ser en el European Meeting of Contemporary Percussion. Este es el lugar donde las nuevas generaciones pueden verse reflejados como profesionales completos como especialistas de la percusión, el lugar donde visualizarse en su futuro más inmediato artística y profesionalmente.

Por otra parte, veo que existe una especie de especialización en cuanto a instrumentos, especialmente en la marimba, que muchas veces no hace mas que revisitar ideas, a mi entender ya asumidas, andando caminos ya andados, que aunque de gran valor, limitan a veces las posibilidades a todos los niveles del músico y la música, tal vez fruto de la homogeneización global, o simplemente como fenómeno de corto o medio recorrido. Tratándose de un instrumento en continua evolución –como es el de la familia de la percusión-, es muy difícil predecir nada, aunque no por ello debemos dejar de reflexionar y valorar el hecho de la correcta gestión de una de las evoluciones más fabulosas experimentada por un instrumento en la música occidental, que permita por otra parte seguir ahondando en esta transformación hasta que pueda situarse en un verdadero plano de igualdad con respecto a otras familias instrumentales.

S.P.: Y la presencia de la música de nuestro tiempo, ¿cómo la percibes en este contexto?

J.S.: Ciertamente todos los repertorios son válidos y cada momento vital artístico del músico debe reflejar sus inquietudes más allá del mero hecho técnico virtuosístico. Este problema común también a otros instrumentos, necesita de una revisión profunda respecto a la finalidad y utilidad del arte al servicio de una sociedad. Desde este punto de vista debe ser un trabajo a realizar desde diversas instituciones, que valoren y programen en mayor grado la música de nuestro tiempo. Por otro lado, en la vertiente educativa, es necesario revisar y actualizar los currículos, enfoques, repertorios… de los conservatorios de música, escuelas, y diferentes entidades vinculadas a la música para convertirlos paulatinamente en centros con una visión más amplia del hecho artístico, centros mas proactivos en la vertiente de creación e interpretación de nuevas músicas, o dicho de otra forma, invertir en I+D+I,  que aunque es un termino relativamente nuevo, es una vieja idea inherente a la creación artística, y en definitiva al ser humano.

ilusión.

(Del lat. illusĭo, -ōnis).

1. f. Concepto, imagen o representación sin verdadera realidad, sugeridos por la imaginación o causados por engaño de los sentidos.
2. f. Esperanza cuyo cumplimiento parece especialmente atractivo.
3. f. Viva complacencia en una persona, una cosa, una tarea, etc.[1]

Siento decirles que estamos condenados.

Me explico.

Hace unos meses, el profesor Ignacio García de Léaniz publicaba en el diario El Mundo un interesante artículo titulado “La crisis de la ilusión“. En él se apoyaba en un texto que vio la luz hace ahora precisamente treinta años -el Breve tratado de la ilusión, escrito por el filósofo español Julián Marías (Valladolid, 1914-2005)-, para situar la falta -y, en algunos casos, la privación- de ilusión en las entrañas de la crisis -transición, cambio o como quieran llamarlo- que ahoga a nuestra sociedad actual.

La lectura casual del artículo de Leániz me condujo hacia el Tratado de Marías, discípulo de Ortega y Gasset, republicano y autor, entre otros libros, de El método histórico de las generaciones (Revista de Occidente, 1949) -texto que todo historiador ha debido consultar y/o criticar, directa o indirectamente-.

El Breve tratado de la ilusión encierra un secreto lingüístico que nos afecta a todos los que hablamos español: el término ilusión tiene connotaciones positivas sólo en nuestro idioma. Queramos o no, esta es nuestra condena. ¿No les parece maravilloso?

Según Marías, es el poeta José de Espronceda (Almendralejo, 1808-Madrid, 1842) el primero en aplicar al término -vinculado hasta ese momento a la primera definición que tienen al comienzo del texto-, un sentido afirmativo, positivo, ligado a las otras dos acepciones que también pueden leer más arriba; acepciones que subrayan ese concepto de ilusión que nos impele a la acción, que nos excita, estimula y empuja a imaginar un nuevo proyecto profesional, a luchar por un futuro laboral mejor, a enamorarnos, a encontrarse con un buen amigo o, sencillamente, a levantarnos cada mañana.

A pesar de su extensión, quiero citar aquí varios fragmentos de este Tratado para que puedan leer algunas de las oportunísimas aserciones del filósofo español. El primero de ellos tiene que ver con un diagnóstico -certero y de pasmosa actualidad- acerca de la obra cultural contemporánea; Marías establece la definición de lo que podríamos denominar “ilusión creativa”:

Muchas veces me he referido a la falta de fruición que en nuestra época muestran con tanta frecuencia las obras de pensamiento, literatura o arte; se advierte muchas veces un elemento de despego o hasta de malhumor en los profesionales de las disciplinas más elevadas y en la docencia de ellas -una de las raíces de la crisis de esta última, y en particular de la Universidad-. Creo que el origen de ello está en la falta de ilusión por esos menesteres. Cuando el trabajo es demasiado impersonal, cuando se realiza por acumulación de materiales e informaciones, cuando importa más el resultado y el éxito que la realización misma, la ilusión de desvanece; creo que eso afecta decisivamente a la calidad, pero más todavía a la personalidad de la obra, que resulta en muchos casos intercambiable, en lugar de estar ligada a la más profunda realidad del autor (pág. 71)

En el segundo, Marías defiende la imprescindible presencia de la ilusión en el vínculo entre maestro/a y alumnos/as, algo que podríamos denominar “ilusión instructiva”:

Si los estudiantes no esperan ilusionados la llegada del maestro, su presencia, su enseñanza, no funciona para ellos como maestro, sino a lo sumo como “docente” o “profesor”. Si el maestro, por su parte, no siente ilusión por su menester, y concretamente por sus discípulos, en grado muy alto por algunos, su función es una forma deficiente, una degeneración de una vocación. Uno y otros tienen que esperar, anticipar, sentir complacencia, asociarse a las trayectorias ajenas. Si esta ilusión falta, la auténtica función no se cumple (pág. 88)

El tercer y último fragmento alude a la “ilusión amorosa”, aquella que nace en nosotros de manera causal y reactiva al mismo tiempo y que debe encarnarse, sin duda alguna, durante el enamoramiento:

El descubrimiento personal es, por tanto, triple: de la persona por quien se siente ilusión, por parte del que la siente; del sujeto de ella, que se va aclarando y desplegando al hilo de su proyecto ilusionado; finalmente, de la persona ilusionante, a sus propios ojos, a luz de la ilusión que despierta, en la medida en que la conoce o la adivina (pág. 101)

No dejaré aquí el comentario de este magnífico texto de Julián Marías. Sin embargo, y por ahora, solo me resta decir que la frontera entre las palabras “iluso/a” e “ilusionado/a” es, muchas veces, tan difícil de acotar como lo es aquella que separa la primera de las otras dos acepciones que nos ofrece la Real Academia Española. Nuestro idioma nos ha condenado a vivir en lo posible, en esa realidad anhelada y deseada, proyectiva, que nos mueve hacia no se sabe dónde y cuya frustración puede tener consecuencias terribles.

Bendita condena.

En el primer episodio dedicado a la desconfianza en la educación musical que mantengo desde mi estado de ignorancia, declaraba la existencia de una sociedad que rechaza de manera lacónica toda aquella expresión que ponga en cuestión o se aparte del repertorio mayoritariamente aceptado. Decía entonces que adolecemos de una cultura obtusa, exigua y paleta en lo sonoro que provoca una “sordera endémica” ante el riquísimo entorno musical circundante.

Podríamos decir que, en un escenario como este, el sujeto define una percepción simple y extremadamente pobre del concepto “música” y rehúye de todo aquello que no se ajuste a él. Y no solo me refiero al paisaje sonoro, al que aludía específicamente en mi anterior artículo. Desde esa posición cualquier persona se siente legítimamente autorizada no solo para opinar -algo sano y saludable por otra parte- sino también para juzgar, sentenciar y condenar a la más infame de las hogueras todo aquello que considere alejado de su imaginario personal o colectivo.

Más allá de la condición antropológica y sociológica de una conservadora defensa de lo conocido, esta suerte de “xenofobia musical” conlleva, al mismo tiempo, un ataque furibundo a lo ajeno y, en definitiva, a todo aquello que se ignora. Esto ocurre por dos razones, fundamentalmente:

La primera de ellas tiene que ver con lo que Arnold Schönberg -compositor de una maestría innegable, aunque no sea santo de mi devoción- manifestaba en el prólogo a la primera edición en 1911 de su imprescindible Harmonielehre: “Nuestro tiempo busca mucho. Pero ha encontrado ante todo una cosa: la comodidad”. Efectivamente, cualquier proposición -musical y artística- que se adentre en el terreno de lo desconocido -si aun hoy significa algo este término- tiene asegurado el rechazo mayoritario del espectador/oyente, ya que lo sitúa en esa parcela de lo incómodo. Y es que la creación contemporánea -la de vanguardia- solo puede ser apreciada por una minoría elitista “militante”, por un grupo de elegidos que -tras ser tocados por una varita mágica- muestran una cualidad inusual y poco valorada, aunque ligada desde siempre a la propia condición humana: el anhelo de conocer.

Quizás hoy ya no seamos tan humanos.

La segunda razón de este miedo a lo ajeno -posiblemente más relevante que la primera- hunde sus raíces en un error que afecta a nuestra manera de concebir la necesaria transmisión del saber. Este error consiste en eliminar del proceso educativo -ya seamos alumno o profesor- la creatividad, la crítica, la aventura y la inquietud, nociones todas ellas vinculadas al deseo de conocer. En algún momento, durante la educación del individuo -me atrevería a decir que, de manera más acentuada, en la etapa primaria- la curiosidad, junto a la libertad, la espontaneidad y todo aquello que no responda a un comportamiento sistematizado, homogéneo y previsible, comienza a ser castigado. El alumno teme preguntar; el profesor no desea responder.

Aunque todos estemos de acuerdo con que la educación musical favorece el desarrollo de la inteligencia cognitiva, emocional y social del individuo, no hemos encontrado todavía una “manera musical” de educar que fomente ese deseo de conocer.

Pero esto no es un problema nuevo. Yo solo insisto en ello al manifestarlo.

Sin embargo, no pretendo dejarles con una sensación tan amarga y pesimista. “A modo de esperanza” -como decía José Ángel Valente en 1955-, querría expresar una ilusión: que recuperemos ese afán inquieto por conocer y, una vez recobrado, intentemos transmitirlo a nuestros alumnos. Nada más. Y nada menos.

En esta nueva etapa del Sul Ponticello no dejaremos atrás un aspecto que nos ha caracterizado como publicación: la preocupación por las iniciativas alejadas de las grandes infraestructuras culturales y de los presupuestos abultados (aunque, en estos tiempos, cada vez menos opulentos).

En este caso traemos una entrevista con Joan Soriano, responsable del Festival SoXXI, que nos habla de este interesante ciclo  que cumple ya su cuarta edición -del 1 de febrero al 24 de mayo-, y que viene proponiendo una línea de programación coherente y de calidad.

¿Cómo surge la idea, hace ya unas cuantas ediciones, de desarrollar un festival de música de nuestro tiempo en Canals, una pequeña localidad del interior de la Comunidad Valenciana?

Son muchas las coincidencias coyunturales y tal vez vitales, que al grupo de músicos que realizó el primer festival nos condujeron, de alguna manera, a aglutinar nuestras inquietudes y nuestras voluntades en un proyecto que nacía, tal vez sin vocación de continuidad, pero que hecho desde la pasión y una vez superado el primer peldaño y viendo que esto ha sido  posible porque podía hacerse, por qué no continuar… dos peldaños, tres…

…y cuatro, que son las ediciones que cumple el festival. Lo cierto es que siempre nos sorprende y congratula ver cómo en localidades pequeñas se logra organizar actividades que podrían pensarse como reservadas para ciudades con un público ya asentado en estos menesteres. Por cierto, ¿qué público tiene el Festival SoXXI?

En un mundo globalizado es difícil encontrar públicos diferenciados geográficamente. Hay que desmitificar y descentralizar los focos culturales, a veces, reducidos a un público y espacios elitistas y minoristas. El acercamiento de la cultura actual debe ser lo más universal posible, ya que sin duda, en un mundo global este acercamiento es fácil técnicamente pero difícil socialmente y de ello, sin duda, depende  en gran medida la supervivencia de muchas de las expresiones culturales actuales y en especial, la música. El público de SoXXI  primeramente y lógicamente es la población de Canals y su comarca. Aunque programando eventos de calidad siempre encontramos público que no tiene problema en desplazarse desde lugares donde esta programación no existe o ha dejado de existir.

Hablemos de dinero: si los grandes festivales sufren recortes que en ocasiones los hacen inviables o los reducen a lo testimonial, ¿qué se puede decir de los pequeños? ¿Estamos en estos casos ante una verdadera “resistencia cultural”?

Es evidente, por las circunstancias actuales y en comparación con los grandes festivales, muchos de los cuales desgraciadamente han desaparecido, que este festival SoXXI nunca ha tenido presupuesto para poder hacer frente al presupuesto real de lo que hubiera costado cada una de las cuatro ediciones. En las grandes ciudades y capitales la deshumanización y el aislamiento social, de alguna manera, trasversalmente afecta al funcionamiento y organización de eventos y de su producción. En una pequeña población  no es fácil pero es posible encontrar gente afín que puede solucionar problemas rápidamente, altruistamente, por el bien mutuo, conjunto, social, entendiendo este último como algo más cercano tangible, propio y necesario, que configuran la cultura e idiosincrasia de un pueblo. Por otra parte, la voluntad de todos y cada uno de los participantes y organizadores de SoXXI es inquebrantable y por supuesto un ejemplo de cómo en los momentos más difíciles las personas sacan lo mejor de sí mismas. No se trata tanto de una resistencia cultural como de una apuesta valiente por aquellos valores universales y primarios que de olvidarse solo conducen al desastre.

Actualmente la gente sensibilizada y con posibilidades colabora con distintas organizaciones no gubernamentales que mantienen el tejido sociocultural impidiendo  la aculturación, pérdida de identidad y valores de una sociedad. El equipo que dirige, produce y colabora con SoXXI es una muestra más de esa convergencia de voluntades en un proyecto que, sin duda, las instituciones actuales parecen ver ya no como secundario sino como mero entretenimiento o distracción.

Entrando ya en la edición 2014 del festival, cuéntanos qué proponéis para esta cuarta temporada, en los cuatro conciertos que componen la edición.

El inaugural -el 1 de febrero- correrá a cargo del ensemble Valencia Percussion Academy dirigido por Victor Segura y Joan Soriano, juntamente con el Ensemble Vocal dirigido por Francisco Tortosa y la colaboración especial de la pianista Davinia López Sanchis y el flautista Beñat Arrieta Aizpuru. El programa dará una clara muestra de la gran música de cámara internacional con percusión escrita entre las décadas de los 60 y los 80 del siglo pasado. Music for Mallet instruments voices and organ de Steve Reich abrirá el concierto con la proyección del videocreador Anthony Cerniello. La primera parte del concierto la cerrará la música de Maki Ishii. VPA ensemble interpretrá Concertante para marimba solista y seis percusionistas, con el percusionista Joan Marín como solista. La segunda parte del concierto se iniciará con una de las obras maestras de la música clásica contemporánea de cámara del siglo pasado: La Suite en Concierto de André Jolivet para flauta y cuatro percusionistas. Para la ocasión, VPA ensemble cuenta con un flautista de lujo, Beñat Arrieta Aizpuru, solista de la Orquesta de Extremadura. La segunda parte cerrará nuevamente con un gran clásico de la música Japonesa  Hierophonie V de Yoshihisa Taïra para seis percusionistas.
Los siguientes conciertos correrán a cargo del solista internacional Christian Diersten, con obras de Blecharz, Billone, Klartag, Garutti y Sciarrino, también en el mes de febrero.

Pero el festival se extiende más allá de febrero…

Efectivamente, el festival continúa en marzo con el ensemble residente Projecte SoXXI y su nuevo proyecto “Quartet”, que ofrecerá un programa ecléctico para cuarteto de percusión con obras de Humet, Reich, Erkoreka y Levitan con coreografias a cargo del grupo de danza dirigido por Ana Luján.  El concierto final en el mes de mayo bajo el titulo “And friends…”  reunirá en el escenario a Projecte SoXXI, L’Ensemble VocaI e Innova Duo, sin duda, elementos imprescindibles en el camino andado y la realidad actual del festival con obras de Zabala, Crumb, Wytakre, Koshinski y el estreno absoluto de una pieza de Sergio Blardony que aglutinará a los tres ensembles.

Desde luego, la programación que describes evidencia una cuidada planificación que no olvida la presencia de artistas internacionales. ¿Cuál es la “filosofía” en este sentido? Nos parece que SoXXI está muy lejos de cierto provincianismo tan practicado en otros contextos y momentos…

El contexto y momento actual permite el acercamiento y la confluencia de voluntades, inquietudes más allá del provincianismo practicado en contextos y lugares que más bien deberían quedar en el olvido. Los grandes artistas nacionales e internacionales que han pasado por SoXXI, sin duda, han demostrado su grandeza como artistas, pero su categoría humana, que a veces, no trasluce en las actuaciones ha quedado patente en el modesto escenario que ofrece SoXXI. Desde aquí quiero agradecer sinceramente su colaboración, su pasión y su ejemplo de esfuerzo, de valía y de sensibilidad intelectual y artística que debe ser considerado como un valor de presente y como una apuesta firme para un futuro cierto y consistente para el arte y la cultura contemporáneos.

Mantenéis un esqueleto basado en la percusión. ¿Cómo influye este aspecto en la programación del festival?

El proyecto SoXXI aglutina principalmente a profesionales del arte de la percusión, interesados, como no puede ser de otra manera, en su principal repertorio que es el actual. No obstante es un grupo abierto a la interdisciplinariedad de las artes y las enormes posibilidades tímbricas y camerísticas del repertorio de percusión con cualquier otro instrumento o medio.

La programación busca ser ecléctica, variada y coherente ofreciendo al público una muestra del gran repertorio actual, alejado de convenciones y de formalismos. Por otra parte también se rinde homenaje a grandes compositores a través de monográficos como han sido el realizado en la primera edición a Iannis Xenakis y en la tercera a Louis Aguirre. Dos grandes compositores que atienden de manera especial a la familia de la percusión.

Como es bastante habitual en muchos músicos que ejercen como responsables de festivales, tú desarrollas en paralelo una intensa actividad docente ¿Piensas que es posible crear un trasvase entre estas experiencias? ¿De alguna forma consideras que existe posibilidad de crear un feedback productivo entre el trabajo en el aula y un festival donde se pueda mostrar el trabajo allí realizado?

Es imposible concebir un profesional de una disciplina basada en la práctica de un instrumento todavía formándose y en evolución, que no practique esa disciplina en la medida de sus posibilidades. En ciertos aspectos de la retroalimentación de la actividad musical y la docencia de la música es difícil discernir la línea que separa una de la otra. Creo que hay que entender el hecho musical bajo un concepto más holístico, sin barreras entre lo puramente docente y la actividad concertística. Sin duda el equilibrio justo entre cada una de las facetas que engloba el hecho musical no hace más que enriquecer la formación global del músico y la música. De lo contrario, se cae en la mediocridad y en el absurdo. Mi trabajo como docente, por otra parte, obliga a dotar al alumno de las experiencias  necesarias para que adquiera una formación lo más sólida y completa posible. Esto se puede conseguir de manera directa participando en proyectos al alcance de sus posibilidades o a través de la asistencia  y vivencia de conciertos que de otra manera sería difícil vivir en primera persona.

Para terminar, te planteamos una cuestión que nos parece obligada en el momento actual: da la impresión de que el llamado “concierto de música contemporánea” parece desaparecer definitivamente o quedar relegado a lo meramente museístico. Como ocurre a otros festivales, el SOXXI parece ser consciente de esto y se mueve hacia un concepto de espectáculo donde lo interdisciplinar cobra importancia dentro de la programación. ¿Cómo percibes este aspecto, en general y en el caso particular de vuestra propuesta?

En el momento actual es difícil no aunar los diferentes elementos técnicos y medios que ofrece cualquier disciplina. La interdisciplinariedad artística en las diferentes propuestas a todos los niveles suele ser la norma. En la música también se cumple, es fácil encontrar repertorio atractivo al público en general y particular, más exigente, propuestas que aúnan y fusionan diferentes disciplinas. Sin duda esto es producto del proceso de macro y micro globalización simultánea a todos los niveles socioculturales y artísticos en los que estamos inmersos y de los que, de alguna manera, no cabe sino aprovechar sus posibilidades en pro de un acercamiento y enriquecimiento cultural global sin por ello perder la individualidad y la calidad de cada una de las artes implicadas.